Frilly tutus, yndefulde bevægelser og pointe sko er, hvad vi tænker på, når vi forestiller os ballet. Eller måske er det Natalie Portmans prisvindende præstation i Black Swan. Går ud over det, der møder øjet afslører en højt udviklet og teknisk form for dans med sit eget ordforråd. Siden dens oprindelse under den italienske renæssance er ballet blevet en udbredt og populær form for dans globalt. Balletens grundlæggende teknikker bruges også i andre dansegenrer og kulturer. Som et samlet værk omfatter ballet musik og koreografi til en balletproduktion. Denne blog sporer en kort historie om ballet og dens forskellige stilarter.
En kort historie
Ballettens rødder ligger i det 15. og 16. århundredes italienske renæssancebaner. Det spredte sig og udviklede sig yderligere i Frankrig under Catherine de Medicis indflydelse som dronning. De tidlige hofforestillinger blev for det meste udført af adelige amatører. De tidlige balletdragter var ekstremt udsmykkede for at imponere publikum. Men samtidig, det begrænsede dansernes bevægelsesfrihed. Forestillingerne blev sat i enorme sale med seere siddende på tre sider. Prosceniumbuen blev implementeret i 1618. Den distancerede de optrædende fra publikum og satte dem i stand til at få et bedre overblik over danserne og værdsætte de ekstremt dygtige dansere og deres tekniske bedrifter.
Det var under kong Louis XIVs regeringstid, at den franske hofballet nåede sit højdepunkt. I 1661 grundlagde kong Louis Académie Royale de Danse (Royal Dance Academy) og etablerede visse standarder for ballet og certificerede danseinstruktører. I 1672 udnævnte kong XIV Jean-Baptiste Lully til direktør for Académie Royale de Musique (Paris Opera.) Det var fra Académie Royale de Musique, at Paris Opera Ballet, det første professionelle balletkompani, opstod. Pierre Beauchamp var Lullys dansemester. Lully og Beauchamps partnerskab ville fortsat påvirke udviklingen af ballet meget. De krediteres med oprettelsen af de fem store fødder. De første ballerinaer indtog scenen i 1681, efter mange års træning på Académie.
Efter 1830 begyndte ballet at falde i Frankrig, men dens udvikling fortsatte i Italien, Danmark og Rusland. Ballet Russes, ledet af Sergei Diaghilev, ankom til Europa på tærsklen til Første Verdenskrig, og det førte til genoplivning af ballet og startede den moderne æra. I det tyvende århundrede havde ballet allerede en højborg over de andre dansegenrer. I samme århundrede tog det en betydelig vending fra den klassiske form til introduktionen af moderne dans. Modernistiske bevægelser opstod i flere lande.
De mest berømte dansere i det tyvende århundrede omfatter Anna Pavlova, Rudolf Nureyev, Margot Fonteyn, Galina Ulanova, Rosella Hightower, Maya Plisetskaya, Maria Tall Chief, Mikhail Baryshnikov, Erik Bruhn, Suzanne Farrell, Natalia Makarova, Gelsey Kirkland og Arthur Mitchell.
Styles
Undergenrer af ballet og stilistiske variationer har udviklet sig med tiden. De tidligste balletforestillinger og deres klassiske variationer er primært knyttet til geografisk oprindelse. Eksempler omfatter italiensk ballet, russisk ballet og fransk ballet. Senere variationer omfatter moderne ballet og neoklassisk ballet. Disse stilarter inkorporerer både klassisk ballet og ikke-traditionelle bevægelser og teknikker. Den mest kendte og opførte stilart er den sene romantiske ballet eller Ballet Blanc.
Klassisk ballet
Før udviklingen af klassisk ballet blev balletten udført i en periode kendt som den romantiske æra. Romantisk ballet skilte sig ud for sin fortælleteknik, og den har ofte en blødere æstetik. Klassisk ballet blev født, da Marius Petipa (en balletmester og betragtes som en af de største koreografer nogensinde) kombinerede romantisk ballet med forskellige aspekter og teknikker for russisk ballet (Petipa var balletmester og koreograf for Mariinsky Ballet). Klassisk ballet indeholder elementer som historiefortælling af romantisk ballet og atletik fundet i russisk ballet. Derfor blev en ny æra kendt som den klassiske æra født. Udover at være berømt for at skabe klassisk ballet, koreograferede Petipa også nogle kendte romantiske balletter, som Giselle og The Sleeping Beauty.
I løbet af den klassiske æra krediteres Petipa for at have skabt koreografiske strukturer, der er ekstremt populære og brugt til balletter til dato. Han var den første person til at bruge grand pas de deux (en danseduet, hvor to dansere, normalt en han og en kvinde, udfører ballet -trin sammen) i sin koreografi. Derudover er han ansvarlig for at cementere brugen af corps de ballet (gruppen af dansere, der ikke er hoveddansere) som en standard del af en ballet. Selvom han indledte den klassiske æra, kan nogle af de elementer, som Petipa populariserede, også ses i hans romantiske balletter.
Baseret på traditionelt balletordforråd og teknik eksisterer klassisk ballet nu i forskellige stilarter i forskellige lande i dag. Eksempler omfatter italiensk, fransk, engelsk og russisk ballet. Mange af stilarterne i klassisk ballet er forbundet med nogle specifikke træningsmetoder, og de er opkaldt efter deres skabere. Nogle af de mest kendte eksempler på klassiske balletproduktioner inkluderer The Sleeping Beauty, Swan Lake og The Nutcracker.
Romantisk ballet
Den romantiske æra i ballet blev skabt, da ideerne om romantik i litteratur og kunst påvirket ballet. Den romantiske æra opstod fra begyndelsen til midten af 19-tallet, hovedsageligt på Théâtre de l'Académie Royale de Musique fra Paris Opera Ballet og Hendes Majestæts Teater (London.) Romantikkens fødsel siges at være begyndt, da ballerina Marie Taglioni debuterede i balletten, La Sylphide, i 1827 i Paris. Det nåede sit højdepunkt i 1845, da balletmesteren, Jules Perrot, iscenesatte premieren på omlægningen Pas de Quatre.
Det var under den romantiske æra, at udviklingen af pointe-arbejde ændrede folks opfattelse af ballerinaen. Adskillige litografier fra æraen viser en ballerina, der kun står på spidsen af tåen, nærmest svævende. Ideen om vægtløshed blev yderligere cementeret i balletter som Giselle og La Sylphide, og det berømte spring blev forsøgt i La Péri af Carlotta Grisi. Andre træk, der også adskiller den romantiske ballet, omfatter forfatterens eller sceneskaberens adskilte identitet fra koreografen og brug af specialskrevet musik (i modsætning til balletten i slutningen af det 18. og begyndelsen af det 19. århundrede). Opfindelsen og brugen af gas bragte gradvist ændringer også - det blødere skær øgede mystiskheden i flere balletter. Fældedøre og ledninger forbedrede illusioner og gjorde det mere mangfoldigt.
Romansk ballet er præget af ballerinaens opståen som en central del af balletten. Tidligere var forestillinger domineret af mandlige dansere. Mens overlegne dansere altid er blevet beundret, blev ballerinaer hævet til berømthedsniveau i det 19. århundrede. Kvindelige performere blev objektiverede og idealiserede. Marie Taglioni blev hævdet som den prototypiske romantiske ballerina og blev beundret for sin lyrik. Mandlige dansere blev ekstremt sparsomme. Selv de mandlige roller blev udført af kvindelige dansere.
Romantiske balletbevægelser er kendetegnet ved bløde og afrundede arme med en fremadrettet hældning i overkroppen. Bevægelsen gav ballerinaen et blomsterligt, yndefuldt udtryk. Bevægelser af benet blev meget mere detaljerede på grund af designet af en ny, længere og flydende tutu. Standarderne for teknisk færdighed steg. De mest fremtrædende romantiske ballerinaer omfatter Marie Taglioni, Fanny Cerrito, Fanny Elssler, Pauline Leroux og Lucille Grahn. Plottene med flere balletter omfattede spiritkvinder (sylfer og spøgelser), der manipulerede mænds sanser og sanser og gjorde det umuligt for dem at leve lykkeligt. Temaerne understregede intense følelser og æstetiske oplevelser.
Romantisk ballet faldt langsomt. Det sidste værk af romantisk ballet er Arthur Saint-Léons ballet Coppélia fra 1870.
Neoklassisk ballet
Neoklassisk ballet opstod i løbet af 1920'erne og fortsatte med at udvikle sig gennem det 20. århundrede. Mange kunstnere fra forskellige discipliner begyndte i 1900-tallet at gøre oprør mod den romantiske periodes dramatiserede balletstil. Resultatet var, at kunsten vendte tilbage til sin forsimplede stil, meget som den klassiske æra. Den blev mere selvsikker, dristigere og fri for distraktioner, og tendensen kom til at hedde nyklassicisme.
George Balanchine var balletkoreografen, der kendetegne denne nye æstetik. Han var elev på Den Kejserlige Balletskole, da vigtigheden af klassicismen blev indprentet i ham. Den dag i dag fortsætter skolen sit faste engagement i klassisk balletteknik.
Da Balanchine tog eksamen, koreograferede Balanchine for Ballets Russes, hvor han tjente muligheder for at samarbejde med Debussy, Picasso, Stravinsky, Prokofiev, Chanel og Matisse. De var alle i spidsen for nyklassicisme. I stedet for helt at opgive sin klassiske træning tog Balanchine den og skabte den nyklassiske stil med traditionelt balletordforråd. Traditionelle balletpositioner blev udvidet, hastighed og bevægelsesfrihed blev øget, og nye positioner, der ikke traditionelt ses i ballet, blev indarbejdet.
Balanchines første satsning på denne nyudviklede stil var Apollon Musegete, som han koreograferede for Ballets Russes i 1928. Partituret blev sat af Stravinsky. Denne ballet skiller sig ud fra Balanchines senere værker på grund af sin fortælleteknik, som viser, at han stadig holdt fast i teknikkerne fra den romantiske æra. Da balletten første gang blev premiere, indeholdt produktionen desuden store sæt, rekvisitter og kostumer. Balanchine fortsatte med at foretage ændringer i henhold til udviklingen af hans neoklassiske stil. Senere blev der foretaget flere ændringer i Apollon Musegete. Balanchine omdøbte det til 'Apollo'. Hvide træningsbukser, minimalt med lys og sæt blev brugt. Ballets transformation understreger Balanchines transformation selv som koreograf.
Efterhånden som Balanchines stil udviklede sig, var hans balletproduktioner plotteløse og musikalsk drevet. Traditionelle tutuer og store sæt blev forladt, og rene stadier og trikot blev populær. Disse forenklede eksterne faktorer tillod danserne mere bevægelsesfrihed og gjorde det dermed til det vigtigste kunstneriske medie. Det blev kendetegnende for nyklassisk ballet.
Balanchine fandt School of American Ballet i 1934 i USA. Mange af Balanchines neoklassiske balletter blev koreograferet i USA. Hans balletkompagni, New York City Ballet, blev grundlagt i 1948 og eksisterer stadig i dag. Nogle af de berømte nyklassiske balletter, der blev koreograferet i New York, er Concerto Barocco (1941), Agon (1957), Four Temperaments (1946) og Episodes (1959.)
Moderne ballet opstod som et udløber af neoklassisk ballet. Innovatorerne i denne form omfatter Glen Tetley, Robert Joffrey og Gerald Arpino. Deres værker favoriserede en større atletik, der afveg fra ballet. Ballets fysiske aspekt blev mere vovet, med emnet, musikken og stemningen mere intens. Et eksempel er Joffreys Astarte (1967), der havde seksuelle overtoner i koreografien og en rockmusik.
Moderne ballet
Mens George Balanchine betragtes som den første pioner inden for moderne ballet, tilskrives dens sande oprindelse Sergei Diaghilev, den russiske kunstproducent. Han ønskede, at kunsten skulle være forståelig for offentligheden. Så hvad han gjorde var at lave et program, der kombinerede alle former for kunst (musik, maleri, kunst og teater), der skulle præsenteres for offentligheden. Da det viste sig at være en succes i Rusland, ansporede det Diaghilev til at præsentere det for et europæisk publikum. Han grundlagde Diaghilevs Russian Ballet Company og det første show debuterede i 1909. Da Diaghilev imidlertid ikke var en koreograf, overlod han sin skabelse og dens udvikling til kendte koreografer, hvoraf den ene var Balanchine.
Moderne ballet udføres ofte barfodet og kan omfatte skuespil og mime. Det er ret vanskeligt at skelne den moderne stil fra moderne eller neoklassiske variationer. Moderne ballet har også tætte forbindelser til nutidig dans, da mange af dens koncepter, ideer og innovationer stammer fra moderne dans fra det 20. århundrede. Eksempler omfatter drejning af benene og gulvarbejde.
Bortset fra Balanchine er en anden tidlig samtidskoreograf Twyla Tharp. Hun koreograferede Push Comes To Shove i 1976 for American Ballet Theatre og skabte In The Upper Room i 1986 for sit eget selskab. Begge disse produktioner betragtes som innovative på grund af sammenlægningen af tydeligt moderne bevægelser, klassiske dansere og pointe sko.
I dag er der talrige samtidige balletkoreografer og kompagnier, herunder Alonzo King og hans firma LINES Ballet, Nacho Duato og hans Compañia Nacional de Danza, Jiří Kylián fra Nederlands Dans Theatre og William Forsythe og The Forsythe Company.
Konklusion
I dag er udtrykket 'ballet' kommet til at omfatte alle dets former eller stilarter. En person, der gennemgår uddannelse til danser, forventes at udføre neoklassiske, moderne og samtidige stilarter. Forventningerne er sådan, at en danser skal være i stand til at være kongelig og statelig, mens den optræder i klassisk stil, fri og lyrisk i nyklassisk stil, mens den er hård, fodgænger eller beskedent for moderne eller samtidige forestillinger. Udover dette smelter flere moderne varianter af dans nu teknikker fra både ballet og nutidig dans. Dette kræver, at danserne er velbevandrede i ikke-vestlige dansestile. Ballet er fortsat det grundlæggende fundament for de fleste danseformer. Teknikker i ballet oversætter til værdier, der er yderst nyttige for alle, der forfølger enhver anden form for dans.
