Kropsfortællinger og performancekunst i handicappens udtryk

Kroppen er et fortællemiddel; det indlejrer vores historier i vores sår og ar. Kunst udforsker denne fortælling på forskellige måder. Især efter 1960'erne begyndte selvudstilling at danne det grundlæggende i performancekunst. I stedet for et genstand for en forestilling er kroppen blevet til et hovedemne: kroppen som sit eget emne. Dette fokus er blevet mere fremtrædende, især inden for handicap performance kunst. Et af de vigtige spørgsmål, disse forestillinger tackler, er, hvordan kroppen fortæller handicap. I denne blog vil jeg forsøge at besvare dette spørgsmål ved at se på forestillinger for handicappede kunstnere og forskellige kropsfortællinger i forskellige kunstformer, såsom skulptur og malerier.

Inden jeg starter, vil jeg nævne et par ting. Først og fremmest bliver handicap i disse forestillinger en generativ kraft. Og disse handicappræstationer frigør både kunstnerne og seerne fra definitionerne af handicap. De frigør også begge parter fra fordomme og veletablerede påstande om, hvad et organ er i stand til eller ej. For det andet i en kapabel verden, hvor de ideologiske installationer af, hvordan en normal skal se ud pålægge visse æstetiske idealer, tilbyder handicap performance kunst en verden ud over den.

Hvordan begyndte det hele?

Med surrealisme, dadaisme, kubisme var definitionerne af kunst allerede begyndt at ændre form. De nye former var meget fragmenterede, eksperimenterende og abstrakt. Farverne var ikke særlig naturlige. Flere perspektiver blev anvendt på objektet for at se den menneskelige form fra forskellige vinkler. Som et resultat blev menneskekroppen deformeret og vansiret. For at sige det anderledes var der nye formuleringer til repræsentationer af menneskekroppen. Denne periode i kunsthistorie er virkelig vigtig for fremkomsten af ​​handicapkunst. Derfor, før jeg går direkte ind i handicapkunsten, vil jeg først nævne, hvad moderne kunst er, og hvordan den repræsenterer kroppen.

Moderne kunst

"Der er ingen udsøgt skønhed uden noget underligt i forholdet." Francis Bacon

I "Æstetikken ved menneskelig diskvalifikation ”, Tobin Siebers fokuserer på betydningen af ​​moderne kunst og dets anvendelse af vansirede og deformerede menneskelige kroppe som kernen i kunstværk. Han udtaler: "Hvis moderne kunst har haft en så enorm succes, er det på grund af dets omfavnelse af handicap som en tydelig version af det smukke" (35). Med andre ord antyder han, at moderne kunst finder sin egen definition af ukonventionel skønhed. For eksempel ser vi misfarvning af ansigter, som undersøger figurernes forskellige stemninger. De brudte linjer udforsker kroppens begrænsninger og formidler muligvis budskabet om, at vi er mere, end hvor vores krop ender. Forskellige perspektiver anvendt på emnet den menneskelige form demonstrerer også en lignende tankegang.

I Picassos malerier, især i hans blå periode (1901-1904), ser menneskeskikkelserne bleg ud, og deres ansigter er farvet med blå, hvilket også matcher baggrunden. Det føles som om tallene er i opløsning med baggrunden og mister konturerne og bliver vage. Denne misfarvning får også menneskekroppen til at se syg og trist ud. Edvard Munchs Screamfor eksempel tyder på angst, en eksistentiel krise eller muligvis et nervøst sammenbrud. I dette maleri blødgøres konturerne af den menneskelige figur. Det virker som om det smelter. Måske finder bevidstløshed udtryk i en vansiret menneskelig form. Med hensyn til disse eksempler indtager moderne kunst et vigtigt sted for at præsentere menneskekroppen på en ikke-idealistisk og ikke-perfektionistisk måde. Handicap performancekunst bevæger sig i flow med en lignende tankegang som menneskekroppen og undersøger, hvad det vil sige at føle, og hvad det vil sige at have en handicappet krop.

Francis Bacon (1909-1992)

Berømt for sine vansirede og abstrakte portrætstudier omdefinerer Bacons kunst æstetiske idealer og hvad kunst er. Hans malerier bebor uhygge og demonstrerer menneskekroppens kød- og knoglestruktur frem for at fokusere på kroppens idealistiske form. Hans portrætter giver så at sige følelsen af ​​råhed. Portretternes splittede ansigter er måske forsøg på at undersøge, hvad et menneske er i centrum. Hans studier er for det meste i triypthic, hvilket giver os mulighed for at se den menneskelige form fra forskellige vinkler.

For de interesserede er der to dokumentarer om Bacons kunst. Den ene er 2017 -versionen af ​​BBC -dokumentaren Francis Bacon: En børste med vold. Den anden er en 1966 -version af BBC -dokumentaren Francis Bacon: Fragmenter af et portræt.

Frida Kahlo (1907-1954)

En af de mest inspirerende kunstnere i det 20. århundrede, Frida Kahlo, var kronisk ramt og afspejlede denne smerte i sine malerier på ganske magiske og surrealistiske måder. I løbet af hendes barndom forlod polio hende "handicappet". Derefter, i en alder af 18, havde hun en bilulykke, som efterlod hende med en brækket rygsøjle, et brækket bækken og et gennemboret underliv. Dette fandt udførelsesform i hendes malerier. En af dem er  Den ødelagte kolonne (1944), hvor hun malede sig selv med det medicinske korset, som hun måtte bære i det meste af sit liv.

Da hendes helbred forværredes, blev der installeret et spejl på loftet, så hun kunne se refleksionen og fortsætte med sin serie af selvportrætter. Hun var en af ​​de store kunstnere, der fandt inspiration i hendes krop og handicap, og gjorde det til et kunstværk.

Claude Monet (1840-1926)

Grundlæggeren af ​​impressionismen, Claude Monet, var en meget produktiv kunstner. De uadskillelige elementer i hans kunstværker bestod af åkander, søer, japanske broer, blomster og damme. Før han malede landskaberne på sit lærred, ville han først filtrere scenen med sine øjne og følelser. I sin senere karriere havde han grå stær, hvilket slørede hans syn. Denne forringelse fandt udførelsesform i hans malerier, da de også blev uskarpe.

De første konsekvenser af hans svækkende øjne blev set i hans malerier fra 1907. Det var 1912, da han blev diagnosticeret med grå stær. Med tiden begyndte hvert element i malerierne at blande sig med hinanden og miste deres konturer. Mere, farvepaletten viste en drastisk ændring. Brun og rød var de dominerende farver. Frem for alt beviste disse malerier, at handicap ikke nødvendigvis “deaktiveres”. De giver snarere mulighed for nye måder at se og opfatte den ydre verden.

Handicap performance kunst

I kølvandet på Handicaprettighedsbevægelsen i anden halvdel af det tyvende århundrede fik handicapkunsten også en stemme. Deres protester var imod de tilgange, der stereotyperede og marginaliserede dem. Trin for trin, gennem lovgivning, fik de en stemme inden for kunst og kultur. I deres engagement med handicap gennem performancekunst begyndte mennesker med handicap at stille spørgsmålstegn ved de formodede grænser for deres handicappede krop.

Hvert handicap har sin egen unikke historie, der finder udførelsesform gennem kunsten. Især inden for performancekunst ændrer objektets epistemologi sig. For eksempel kommer kørestole og krykker som en forlængelse af performancekunstnerne frem for blot genstande, der gør dem i stand til at bevæge sig. De beriger snarere forestillingerne ved at lade performancekunstnerne med handicap opbygge nyt bevægelsesordforråd. Således får de en karakter på en måde.

Lydkunstneren Christine Sun Kim 

En kunstner født i Californien og Berlin, Christine Sun Kim, har været døv siden hendes fødsel. Selvom hun altid interesserede sig for kunst, fik hun først mulighed for at arbejde med kunst i 20'erne, fordi skolens pensum lagde vægt på naturfag og skrivning. Efter at have afsluttet sine bachelorstudier fortsatte hun med at studere, først billedkunst og derefter lyd og musik. Efter at have besøgt lydartikulerede udstillinger i Berlin begyndte hun at udvikle sin egen kunst. Christine Sun Kims kunststudier omfatter bl.a video installationer, interaktive forestillinger og skrivning. Et af hendes hovedspørgsmål, hun tager fat på i sin kunst, er, hvordan vi oplever lyd. Med andre ord redefinerer tankegangen i hendes forestillinger eller videoessays, hvad det vil sige at høre, eller hvordan døvesamfundet oplever livet.

Luk læsninger

For eksempel i hendes kunstværker, Luk læsninger, hun samlede filmklip fra Den lille Havfrue, Addams 'familieog Ghost. Og hun bad sine venner med hørehæmning komme med lydtekster. For at gøre det valgte de hvilke lyde de ville henvise til og skrev dem i billedteksterne. Således var oplevelsen af ​​filmen totalt afhængig af billedteksten.

Mere, antag bare, at du ser en gyserfilm. Temamusikken begynder at spille, hvilket er en meget vigtig ingrediens for at fremkalde målrettede følelser. Desværre efterlader det for døve et tomt rum. Med det i tankerne nævner Christine Sun Kim, hvor vigtigt billedtekst er at skabe en bestemt stemning, der matcher filmens tone på bestemte øjeblikke. For eksempel kan det i billedteksterne kun sige "afspilning af violinmusik". Men hun beriger denne billedtekst som i følgende: "sørgelig violinmusik, der lyder som at græde alene i en tom bar i 1920'ernes Paris."

Udover alt dette, i det største billede, er hendes mål at skabe værker, der afspejler døve identitet og øge bevidstheden om dette emne. Hun finder midler, der erstatter lyden. I sine interaktive forestillinger inviterer hun andre til at udforske verden på meget forskellige måder, for at få publikum til at komme ind i hendes/ hendes samfunds verden og føle det.

Alice Sheppard

Tidligere professor i engelsk og sammenlignende litteratur, Alice Sheppards liv tager en drejning efter at have set den handicappede danser Homer Avilas præstation. Fra da af, hun dedikerer sit liv til dans, hvilket føles som en surrealistisk oplevelse, fuld af kraft og frihed. 

Sheppard starter et samarbejdsprojekt med Laurel Lawson: afstamning, som finder sted på en arkitektonisk rampeanlæg. Rampens design har ingen anden art. Det er ikke kun æstetisk, men er også designet på en sådan måde, at det virkelig forbedrer dansernes bevægelsesordforråd. Denne forestilling fortæller historien om Venus og Andromeda tilpasset temaet interracial kærlighed. Da Lawson og Sheppard udveksler og afbalancerer deres momentum, tilskriver de mange andre muligheder for handicap og for kroppen. De overgår forventningerne med deres bevægelsesordforråd. Sheppard viser mere, at funktionalitet, som kørestole og krykker er rettet mod, også kan være kunstnerisk. I dag fortsætter hun sit liv som koreograf, danser og direktør for virksomheden Kinetic Light.

Fremstillingerne af handicap i skulpturen

Måske deler den samme mentalitet med den japanske kintsugi -kunst, der sammensætter de knuste gryder i en ny helhed, fortæller de skulpturerede handicappede kroppe en lignende historie. Brikkerne, der “kompletterer” kroppen, kan nogle gange være proteser, kørestole og krykker. Kun denne gang er hovedemnet menneskekroppen. Deformerede aspekter af kroppen åbner for nye muligheder, nye definitioner, der beriger begrebet æstetik i kunsten. Alison Lapper og Mary Duffy er nogle af de kunstnere, der leger med billedet af kroppen ved at bruge deres egen krop som et kunstfag.

Marc Quinn fjerde sokkel

Siden 13 -tallet har Trafalgar Square været et af Londons vartegn. Denne offentlige plads ligger i City of Westminster, Central London, og udstiller mindestatuer og skulpturer og er vært for politiske demonstrationer og sammenkomster. Opdelt i sokler viser den nordvestlige del af Trafalgar -pladsen midlertidigt bestilte kunstværker. Et af disse værker var Marc Quinn Alison Lappers gravid, som blev udstillet mellem datoerne 15. september 2005 og slutningen af ​​2007.

Født med en phocomelia tilstand, Alison Lapper, en kunstner selv, sætter spørgsmålstegn ved skønhedsnormerne med henvisninger til sin egen krop i sine værker. Hun bruger digital billeddannelse og fotografering. Lapper påvirkede også Marc Quinn, der lavede en skulptur af Lappers gravide og "handicappede" krop.

 Mary Duffy

”Ved at konfrontere mennesker med min nøgne krop, med dens blødhed, dens rundhed og sin trussel, ønskede jeg at tage kontrol, genoprette den balance, hvor medierepræsentation af handicappede kvinder normalt er tragisk, altid patetisk. Jeg ville holde et spejl op for alle de mennesker, der tidligere havde fjernet mig bare ... offentligheden med deres nøgne blikke og især lægen. ” Mary Duffy

Født uden arme gør den irske kunstner Mary Duffy sig til et emne for sin egen kunst. Selvom hendes første kunstmedie var maleri, tog hun senere interesse for fotografering og video. Efter eksamen fra National College of Art and Design blev hun performancekunstner. I sin liveoptræden i 1995 lagde hun sig nøgen. Og hun stillede sig som den klassiske statue af Venus de Milo, kendt som ikonet for skønhed. Denne posering er en erklæring, der genetablerer, hvad skønhed er eller kan være. Det afslører også paradokset om hvordan Venus de Milo eller andre ødelagte statuer beundres, mens disse statuers levende former marginaliseres. I modsætning til Marc Quinn er Mary Duffys henvisning til skulptur mere symbolsk og idébaseret frem for en konkret marmorrepræsentation af hendes krop.

Betydningen af ​​handicapkunster

”Det er ikke et spørgsmål om at kunne se handicappede som repræsentative kunstværker; det er et spørgsmål om at kunne betragte kunstværker som repræsentative handicap. Denne fine sondring er vigtig, fordi den understreger, at forskellen, der tilskrives kunstværket, afhænger af forskellen i handicap, og så længe det ikke anerkendes, kan handicap bruges til at diskvalificere og undertrykke mennesker. Selve sondringen mellem handicap i kunst og i virkeligheden er en funktion af æstetikken ved menneskelig diskvalifikation. ” Tobin Siebers

Moderne kunst er vigtig for at forstå handicap, fordi den repræsenterer menneskelig form på en ukonventionel måde og omdefinerer æstetiske idealer gennem abstrakt og fragmenteret undersøgelse af menneskelig form. Det afslører også det indre jeg eller forsøger at finde et udtryk for det ved brug af farver og maleteknikker. Vi udforsker også handicapkulturen bedre, da handicap er mere inkluderet og næret i moderne kunsts sociokulturelle matrix.

Endelig betyder handicap ikke en mangel. Det giver os snarere en masse andre færdigheder, såsom at føle verden fra andre sprog. Mere, handicap performancekunst river vores etablerede forestillinger om, hvad handicappede organer er i stand til at gøre eller ej. Det lærer os også at omfavne og værdsætte menneskelig variation.